Frantz ~ François Ozon

La couleur du mensonge

François Ozon est sûrement l’un des cinéastes français à revendiquer le plus librement son goût pour l’ambiguïté, qu’elle soit morale, identitaire ou bien sexuelle. En témoignent ses trois derniers films Dans la maison, Jeune et jolie et Une Nouvelle amie, où des thématiques telles que le voyeurisme, la prostitution et le travestissement étaient abordées de manière tout à fait décomplexée. Avec une aisance à construire des ambiances malsaines et à imaginer des personnages toujours sur un fil, Ozon s’est imposé maître dans l’art d’explorer la recherche de soi sur grand écran par des chemins toujours plus tortueux. Contrairement à l’avis général qui s’accorde à le porter aux nues comme un grand mélodrame romantique, son nouveau long-métrage Frantz fait bel et bien partie de ces œuvres ambivalentes qui constituent la filmographie si insolite qui est la sienne.

Il est vrai qu’au premier abord, Frantz n’a rien d’équivoque et détonne des récentes œuvres du cinéaste. Une esthétique sobre, tout en noir et blanc, marquée par des contrastes de lumière quasiment expressionnistes, ancre le film dans un autre temps, celui du début des années 1920, au lendemain de la Première Guerre mondiale. Le récit, dans un premier mouvement, s’avère lui aussi dépouillé, voire convenu : après la mort de Frantz, un soldat allemand tué au front, ses parents et sa fiancée Anna tentent de se reconstruire, de reprendre goût à la vie. Tout en apportant un harmonieux mélange de langue française et d’allemand – une chose de plus en plus rare dans les films actuels, où tout le monde parle anglais même au fin fond de l’Afrique, comme le dit Pierre Niney dans une interview -, Adrien, un jeune Français qui a aussi vécu l’enfer des tranchées et prétend avoir connu Frantz, apparaît comme la solution à leur problème, par les souvenirs qu’il fait resurgir, les couleurs dont il peint leur triste existence et l’être de substitution qu’il devient pour panser le vide laissé par le fils et le fiancé disparu.

Cependant, les apparences se révèlent trompeuses, car sous l’élégant clair-obscur se cachent en réalité bien des vices. Le mensonge d’abord, qui prend une ampleur telle qu’il force les personnages à sortir de leur deuil d’une façon inattendue et vient hanter la forme même du film, lorsque celui-ci délaisse le noir et blanc pour revenir à la couleur le temps de séquences de réminiscences nébuleuses. La culpabilité ensuite, celle de paternels qui ont envoyé leurs fils sur les champs de bataille, celle de deux nations qui continuent de se déchirer dans un climat de xénophobie latent et celle d’Adrien, dont le lourd secret poussera Anna à mentir à son entourage et à elle-même. Enfin, c’est l’illusion qui est le cœur névralgique du film : encouragée par ses anciens beaux-parents, Anna voit dans Adrien l’homme qui pourrait remplacer l’être cher qu’elle a perdu, et Adrien trouve chez la jeune femme le moyen d’accéder au pardon. Les deux protagonistes se bercent ainsi de chimères tout au long de leur parcours et ce jusqu’au tout dernier plan, où Anna, qui déclare enfin avoir retrouvé l’envie de vivre, nage encore dans un océan d’illusions.

Par ces boniments, qui apparaissent véritablement pour les personnages comme une porte de sortie après le chagrin causé par la disparition de Frantz, le film montre des êtres désemparés qui n’hésitent pas à pallier l’absence du mort en tissant des liens fantomatiques avec les vivants. Comme c’était déjà le cas dans Une Nouvelle amie, chacun des protagonistes place ses espoirs chez les autres pour oublier que Frantz n’est plus, jusqu’à remplacer ce dernier par des ersatz qui ne sont en réalité que des miroirs aux alouettes. « Il faut aussi vivre pour les autres », déclare Adrien à Anna ; cependant, dans le film, l’attachement à l’autre ne se fait que pour un plaisir individuel et faussement salvateur, simplement dans l’espoir égoïste de trouver chez le premier venu un être qui pourra combler le néant. Dans cette substitution des corps et des caractères, Ozon lorgne du côté d’Hitchcock et de son mythique Sueurs froides, en enrobant d’une mise en scène vertigineuse les prémices d’une histoire d’amour qui ne peut réellement exister que sous forme de fantasmes et de tromperies.

Là où ses derniers films s’avéraient assez racoleurs dans leur forme comme dans leur propos, François Ozon choisit de donner à Frantz des apparences discrètes de drame historique, où résonnent l’absence et le deuil, pour mieux plonger au cœur des effusions de plusieurs âmes en perdition et faire ressentir leurs contradictions aux spectateurs d’une manière fébrile, sensible et perspicace à la fois. Ozon délaisse ici l’explicite pour s’adonner en subtilité à l’analyse des sentiments humains et signe par la même occasion l’un de ses films les plus délicieusement denses, problématiques et complexes, où le désarroi face à la mort d’un être cher se mue en un parcours initiatique jonché d’affabulations vertueuses et de faux-semblants réconfortants. En brouillant brillamment les frontières entre convalescence émotionnelle et imposture rédemptrice, Frantz, tel un kaléidoscope vaporeux, nous hypnotise par ses couleurs séduisantes avant de nous ramener à cette sombre idée  que la vie n’est que nuances de gris.